"JE POUSSE LE SPECTATEUR À PÉNÉTRER L'INTIMITÉ DE CE MONDE ARTIFICIEL."

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Dans ses décors très hollywoodiens, Marius Messinese crée un environnement à la fois synthétique et réaliste, à mi-chemin entre la séduction et l’intrigue. Les scènes idylliques de jardins, de piscines et d’intérieurs de magazine sont habitées d’objets introduisant une narration ambiguë. Le contraste omniprésent appuie cette tension : les zones texturées s’opposent aux surfaces planes, les couleurs franches aux parties ombragées, la rectitude de l’architecture au bouillonnement végétal. Les plans se superposent dans un découpage parfois incongru, appuyant les notions d’espace et de solitude.

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Marius Messinese s’emploie à rendre palpable le vide et le silence. Les objets, posés là, deviennent de simples « indices » de la présence humaine, soulignant ainsi en creux son absence manifeste.

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On pense évidemment à David Hockney dans sa période californienne des 60's, mais le peintre convoque de nombreuses autres influences du Pop Art, tels Ed Ruscha, Allan D’Arcangelo, Richard Prince, Jonas Wood, ou Nathalie du Pasquier. Ses atmosphères intrigantes rappellent les scènes d'Edward Hopper et Giorgio de Chirico, tout autant que le cinéma de David Lynch. On note enfin l’influence capitale des architectes modernistes californiens des années 30 et 40 que sont John Lautner, Craig Ellwood, Albert Frey ou Richard Neutra.

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A la croisée de ces influences, Marius Messinese développe une figuration contenue qui, malgré le thème californien et la palette acidulée, tend vers un certain dépouillement. La narration, diffuse, simplement suggérée, et la dramaturgie sous-jascente qui en découle, placent le spectateur dans une position d'attente. Lentement, l'idée s'immisce que la scène est trop banale, trop calme pour être tout à fait normale.

Le vernis s'écaille pour laisser place au drame intime. "Derrière toute cette apparence, il y a sans doute de la souffrance, de la solitude."